“Foram os Sussurros que Me Mataram” é o primeiro longa-metragem de ficção do cineasta e artista visual Arthur Tuoto. Ao transpor elementos já presentes em seu trabalho na videoarte e no cinema experimental, o filme articula um conceito narrativo inédito na carreira do diretor. Apesar da abordagem experimental, a obra se debruça sobre uma tradição da encenação e da palavra. Uma herança dramática que tira do dispositivo essencial da cena e, consequentemente da sua subversão, suas possibilidades cinematográficas. O filme concilia um drama de procedimentos clássicos (o diálogo como força motora essencial da história) com uma aproximação fantástica e de exploração visual inventiva. A principal característica da obra, nesse sentido, é o seu tom anti-naturalista. Não buscamos um realismo na dinâmica da cena, mas um jogo irreverente, uma entonação empossada que revele uma ambiguidade. Estamos entre o patético e o solene, o melodrama e o humor. Os personagens acreditam piamente no que dizem, mas existe uma lógica do absurdo que integra todos os seus entornos. A partir desse tom dúbio, o filme vislumbra uma série de reflexões que vão desde a lógica do entretenimento no mundo contemporâneo à relação entre espectador e produto, evidenciando um mecanismo de consumo que parte da adoração de uma personalidade – a natureza do fenômeno da celebridade em si – e está ligado diretamente a um imperativo da imagem. Adoramos não só pessoas, mas suas imagens, suas “entidades imagéticas” que são elaboradas pelo aparato midiático. Ingrid, nossa protagonista, não é apenas a representação de uma celebridade, mas simboliza essa entidade, essa força espetacularizada de natureza cada vez mais complexa. Ainda que a tipificação exista, especialmente em certas excentricidades habituais caricatas, a personagem não deve ser nivelada a uma simples condição clichê e previsível de pessoa famosa. Ingrid desestabiliza seu entorno a todo momento. Ao mesmo tempo em que ela é passiva e mesmo objetificada em seu papel profissional, questiona e subverte uma ordem imposta. As reflexões que a personagem e que todo o filme propõe estão muito mais interessadas em deixar pontos abertos do que em esclarecer seus motivos, assumindo a livre associação de ideias como um motor dramatúrgico. Nesse sentido, partimos de referências cênicas do cinema de Hal Hartley e Júlio Bressane. Um cinema onde os personagens constantemente se encontram em um estado indefinido. Onde cada fala soa como uma citação e cada citação como uma fala. Tudo dentro de um ritmo, uma musicalidade, um bate e volta na interação e nos diálogos. Visualmente, o trabalho busca uma relação plástica que dê conta desse universo distópico e impessoal proposto. Diretores como Leos Carax, David Cronenberg e Nicolas Klotz são referências essenciais. Um rigor formal, com planos estáticos e uma iluminação alegórica, reiteram o caráter imaginativo da narrativa, reforçando uma atmosfera sombria que se encontra entre sonho e realidade. Os cenários igualmente possuem uma transitoriedade constante. Cores se modificam, objetos desaparecem. Nada é confiável. A abordagem visual espelha a alienação da personagem. Ingrid perde a noção do tempo e se confunde com o espaço. O filme se reordena e desordena junto com as impressões da protagonista. O espectador, assim como ela, fica suspenso nessa condição ambígua, submisso a um fluxo temporal e plástico de princípios próprios.

Arthur Tuoto – Diretor